2020

In Primordial Solution verbinde ich poetische Wissenschaftlichkeit mit malerischer Abstraktion Inspiriert von Lichtreflexionen auf bewegter Wasseroberfläche, ein vibrierendes Bildfeld, das Bewegung nicht nur darstellt, sondern sie zur formgebenden Kraft erhebt.

Die fließenden Formen des Werks entstammen realen, fotografierten Lichtmustern, die auf Wasser tanzten - flüchtige Erscheinungen, festgehalten und transformiert in eine komplexe, vielschichtige Bildkomposition. Diese Übertragung des Ephemeren in eine dauerhafte Bildsprache reflektiert ein zentrales Anliegen: die Sichtbarmachung des Werdens.

In Prinzip ist Bewegung für mich Ursprung. Wie in einer Primärlösung, jedem hypothetische Ur-Ozean, in dem Leben entstand - agieren Licht und Flüssigkeit als schöpferisches Duo. Die entstehenden formen sind weder festgelegt noch abgeschlossen, sondern Teil eines offenen Systems.

Statt eines fixierten Narrativs bietet Primordial Solution eine offene Matrix, die zu Sehen, Nachvollziehen und Nachdenken über Entstehung, Vergänglichkeit und die Ästhetik des Prozessen einlädt.

Allegorie der Erleuchtung reflektiert die fragile und oft mehrdeutige Natur von Einsicht. Anstatt Erleuchtung als einen einzigen Moment der Klarheit darzustellen, versteht das Gemälde sie als Prozess – ein allmähliches Hervortreten aus Schichten von Erfahrung, Reflexion und Ungewissheit.

Licht bewegt sich über die Oberfläche zugleich als Offenbarung und als Frage: Es erhellt, ohne aufzulösen. Formen erscheinen und verschwinden wieder, als wäre auch das Verstehen selbst in Bewegung – niemals festgelegt, stets im Werden. Das Werk begreift Erleuchtung nicht als Ankunft, sondern als fortdauernden Zustand der Wachheit, geformt durch Zweifel, Wahrnehmung und Verwandlung.

Tafeln der Rückkehr erinnert an überlieferte Weisheit, in Materialien eingeschrieben, die länger bestehen als die Hand, die sie formte. Die goldenen Flächen erscheinen wie aus archäologischen Schichten geborgene Steintafeln, durchzogen von den Spuren verschwundener Stimmen.

Die Figuren, die in die Tafeln eingeschrieben sind, treten außerhalb ihrer Grenzen wieder hervor — als wollten sie sich nicht einsperren lassen und darauf bestehen, dass Weisheit nicht statisch ist, sondern wandernd.

Das Werk fragt, was bleibt, wenn die Zeit alles erodiert außer dem Bedürfnis, sich zu erinnern.

Verkleidete Zuschauer… oder Vögel, die beobachten spielt mit Mehrdeutigkeit und Wahrnehmung. Formen schweben zwischen menschlicher Präsenz und vogelhafter Beobachtung und lassen Betrachter erscheinen, die zugleich verborgen und sichtbar sind. Das Gemälde lädt zu einer stillen Verschiebung der Perspektive ein: Wer beobachtet – und wer wird beobachtet?

Die Komposition entfaltet sich als Feld subtiler Verwandlung, in dem Figuren aus ihrer Umgebung hervorzutreten scheinen und wieder in sie zurücksinken. Was zunächst spielerisch wirkt, öffnet sich allmählich zu einer Reflexion über Bewusstsein, Distanz und die fragile Grenze zwischen Beobachter und Welt.

Meine Farben ist eine Reflexion über Palette als Identität. Statt einen bestimmten Ort oder eine konkrete Figur darzustellen, richtet sich der Blick auf die emotionale und räumliche Resonanz von Farbe selbst. Jeder Farbton wird zum Träger von Stimmung und Erinnerung und formt eine persönliche chromatische Sprache.

Die Komposition entfaltet sich als Feld von Balance und Spannung, in dem Töne aufeinandertreffen, sich überlagern und ihre Präsenz behaupten. Farbe wird zugleich Struktur und Thema – eine Untersuchung darüber, wie Wahrnehmung, Empfindung und malerische Entscheidung auf der Oberfläche zusammenfinden.

Rhythmus der Knochen
Acryl auf Leinwand mit Relief

Rhythmus der Knochen erforscht die körperliche Erinnerung, die in Geste und Form eingeschrieben ist. Trotz ihrer Abstraktion ruft die Malerei eine leibliche Präsenz hervor – eher gespürt als gesehen –, ein Echo von Empfindung in Hand, Atem oder im Innersten des Körpers.

Die scheinbare Einfachheit der Komposition ist trügerisch. In der reduzierten Farbigkeit und der reliefartigen Oberfläche liegt ein leiser Puls, ein struktureller Rhythmus, der an Knochen und Bewegung erinnert. Das Relief verwandelt das Bild in ein taktiles Feld, in dem Druck, Widerstand und Lösung sichtbar werden.

Statt Darstellung anzubieten, lädt die Arbeit zu einer sinnlichen Erfahrung ein – zu einem Raum, in dem Malerei sich der Erfahrung von Berührung und der erinnerten Bewegung des Körpers annähert

Figuren I–III untersuchen das Hervortreten von Form aus der Dunkelheit. Auf einem Grund aus Schultafellack entfalten sich die Zeichnungen durch Schichten von Kohle, Pastell und Gouache, sodass Figuren allmählich aus der Tiefe des schwarzen Feldes auftauchen.

Die Körper erscheinen vorläufig und suchend – präsent, aber nicht vollständig gefestigt. Linien bewegen sich zwischen Struktur und Auflösung und verweisen eher auf Bewegung als auf Dauer. Jede Figur trägt den Eindruck eines Übergangsmoments, als befände sich Identität selbst noch im Entstehen.

Der dunkle Grund fungiert weniger als Hintergrund denn als Raum des Potenzials, aus dem Präsenz kurz Gestalt annimmt, um wieder in die Stille zurückzukehren. Die Arbeiten laden zu einem nahen, kontemplativen Sehen ein, in dem das Erscheinen selbst zum zentralen Thema wird.

Durch den Sturm evoziert Bewegung inmitten von Unsicherheit. Weiße Acrylgesten durchziehen einen dunklen Grund aus Schultafellack und lassen Bewegung gegen Widerstand spürbar werden – eher ein Durchgang durch Turbulenz als deren Darstellung.

Der starke Kontrast von Hell und Dunkel erzeugt ein geladenes visuelles Feld, in dem Formen unmittelbar erscheinen und wieder verschwinden. Was entsteht, ist weniger eine erzählerische Szene als ein Zustand des Durchhaltens: das Empfinden, weiterzugehen, während die Bedingungen unsicher bleiben.

Das Werk trägt eine stille Spannung zwischen Verletzlichkeit und Beharrlichkeit, in der das Weitergehen selbst zu einer Form von Widerstandskraft wird.

Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1

Dieses Gemälde spielt mit der Tradition der tonalen Porträtmalerei, die mit Whistlers Arrangement in Grey and Black verbunden ist, und verschiebt zugleich bewusst deren Kontext. Der Untertitel Nicht die Mutter des Künstlers schafft Distanz und Ironie und lenkt die Aufmerksamkeit von biografischer Lesart hin zu Wahrnehmung und Komposition.

Statt ein konkretes Abbild zu zeigen, konzentriert sich das Werk auf Balance, Zurückhaltung und tonale Atmosphäre. Grau- und Schwarztöne strukturieren die Oberfläche mit stiller Präzision, sodass Form durch feine Nuancen statt durch klare Konturen entsteht. Das Bild wird weniger zum Porträt als zur Meditation über Präsenz – eine Untersuchung darüber, wie Identität angedeutet werden kann, ohne festgelegt zu sein.

Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 2

Als Gegenstück zu Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 setzt diese Arbeit den Dialog mit der Tradition tonaler Malerei und der kulturellen Erinnerung an Whistlers ikonische Komposition fort. Die Referenz bleibt sanft und indirekt, lädt zum Wiedererkennen ein und entzieht sich zugleich der wörtlichen Zitierung.

Durch zurückgenommene Farbigkeit und präzise Struktur betont das Gemälde Stimmung statt Erzählung. Form entsteht durch Nuancen statt durch Festlegung und ermöglicht es den Betrachtenden, die Komposition als Feld stiller Aufmerksamkeit zu erfahren. Das Ergebnis ist eine zeitgenössische Reflexion über Porträt, Wahrnehmung und den leisen Humor kunsthistorischer Erinnerung.