2020

Ce cycle en quatre parties retrace l’arc de l’expérience humaine à travers la métaphore des saisons. Commençant par l’innocence de l’émergence (A Spring of Life and Living), l’œuvre traverse l’intensité du désir et du manque (A Summer of Love and Porn), avant de se tourner vers le spirituel et le prophétique (A Fall of Prophets and Mysticism), pour finalement descendre dans la réalité brute du conflit humain (A Winter of Inhumanity and War).

À travers l’ensemble du cycle, le corps devient icône, l’énergie devient rituel, et la couleur devient témoignage. Ce qui commence comme instinct naturel évolue en croyance, se fracture en violence, et nous ramène à la question fondamentale de ce que signifie être humain. Chaque saison ne se déploie pas comme un récit, mais comme un état d’être — un passage par la création, la passion, la révélation et la ruine.

A Spring of Life and Living marque le commencement du cycle — le seuil où l’être se déploie pour devenir. La peinture évoque un état d’émergence, où la forme n’est pas encore fixée et où l’énergie circule par l’instinct, le souffle et une ouverture non protégée. Ici, le corps et le monde sont encore imbriqués : la sensation est immédiate, le désir est innocent, et la vie apparaît comme pure potentialité.

La composition semble suspendue dans l’instant précédant la division de l’expérience en sens et en jugement. Les couleurs s’ouvrent comme des floraisons précoces, s’étendant avec une insistance douce, tandis que des contours souples suggèrent des figures encore indissociables de leur environnement. Rien n’est imposé ; tout est en croissance.

Ce premier mouvement du cycle contient la plénitude du possible — un espace où les commencements sont délicats, où la vitalité n’a pas encore été façonnée par l’idéologie ni blessée par l’histoire. Une célébration de l’existence elle-même, avant l’entrée de la passion, de la prophétie ou du conflit.

 Un printemps du souffle, de l’éveil, du devenir vivant.

A Summer of Love… présente la figure féminine non comme objet de désir, mais comme réceptacle de dignité et de lumière. Le corps allongé, articulé par l’or et de subtils contrastes tonals, oscille entre visibilité et retrait. Il résiste au regard qui cherche la possession et rayonne au contraire une présence silencieuse, presque iconique.

L’usage de l’or inscrit l’œuvre dans la tradition de la peinture sacrée, tout en l’ouvrant à une abstraction contemporaine. La figure semble suspendue — à la fois terrestre et transcendante. Le calme de la composition est chargé de tension, comme si le sommeil n’était pas une absence, mais un passage vers un autre état, un seuil vers l’ailleurs. L’œuvre réinvestit ainsi la figure du nu comme un lieu de révérence plutôt que de consommation.

Dans l’abondance chromatique, des indices figuratifs surgissent et s’évanouissent — comme des souvenirs apparaissant puis disparaissant. Il en résulte un drame visuel où énergie, matérialité et lumière sont inextricablement liées.

 Cette œuvre interroge l’effondrement de l’autorité et de la croyance. Des figures, fragmentées et abstraites, semblent chuter à travers des champs d’or et d’ombre. L’or, autrefois signe d’ordre divin, vacille ici dans une ambiguïté — tantôt sacré, tantôt ironique. La peinture met en scène l’érosion de la prophétie et du mysticisme dans un monde séculier et instable.

Plutôt que le deuil, l’œuvre exige la confrontation. En plaçant des fragments d’imagerie sacrée dans des états de désintégration, elle révèle à la fois la puissance et la fragilité des symboles spirituels. Le résultat est une peinture à la fois critique et contemplative, invitant à réfléchir à ce qui subsiste lorsque la transcendance vacille.